martes, 1 de diciembre de 2009

ARTE Y CUERPO

Sterlac - Performance
Por: Fernanda Watanabe Zazueta


“El hombre transmite y recibe por su cuerpo, por sus gestos por su mirada;
el olfato, el grito, el baile, las mímicas y todos sus órganos
 físicos pueden servir como órganos de transmisión”

-R. Debray (1996)


Arte es aquel proceso de fascinación, producto del saber del humano que nace de la necesidad de producir con las manos y traer algo a este mundo de nada. Inspiración y  creación son elementos importantes dentro del proceso creativo del artista que ha usado a la naturaleza siempre como el medio de mayor influencia sobre sus instauraciones, con la necesidad de innovar, aparecen nuevos seres traídos por los artistas que logran extraer de la imaginación  y que captan aquellos mensajes oníricos que se quedan en nuestra mente que más tarde serán proyectados como creaciones propias; es fantástico ver un unicornio sumergido en formol (véase Damian Hirst) o hasta una conejita fosforescente (véase Eduardo Kac), la inclinación hacia las cosas vivas es evidente
 El artista nos puede dar envidia, pues elementos como el papel y pluma, en la literatura; pala y mármol en la escultura o pinceles y lienzo en la pintura le permite recrear el encantamiento de hacer visible lo invisible pues la sensibilidad es lo que nos ha llevado a un sinfín de posibilidades dentro del genio artístico. Hoy día, los nuevos medios ayudan a crear todo un proceso con un resultado inesperado, y las herramientas son infinitas, esta es la nueva era del arte, un arte sin portada, sin bases, sin marco…Se ha perdido la forma tradicional de hacer arte, ahora se crea a partir del cuerpo.
Velázquez (véase las meninas) ya te hacía ser tú parte de la pintura, pues la estructura del cuadro está expuesta para que el espectador se sienta dentro del cuadro, la realeza concentrando su mirada hacia ti. Por demasiado tiempo se ha pensado al artista como un ser dotado de una sensibilidad extraordinaria con una espiritualidad intensa con un fondo de verdad que puede tocar el alma de las musas que deviene en talento genialidad entre lo inefable y lo expresable adherente a la idea y el término de “originalidad” el cual se le adjunta. Desde el Renacimiento italiano, los primeros artistas tenían una labor rebuscada en las élites, el nombre respalda a la obra, la aparición de la firma, la manera ordenada de la obra desde un Génesis a un Apocalipsis, para cumplir con un proceso creativo que paso por paso elegante y premeditado en combinación con todos los elementos previamente cuidados y elaborados para armar la obra final, el trabajo con relación íntima entre artista y obra. En el periodo de entre guerras de siglo XX le dio la misión de innovar y crear nuevas tendencias, las vanguardias y post-vanguardias, dieron paso a la creación de momentos teniendo la vida como escenarios, los performances, el situacionismo,  el happening; el arte es cada vez más colectivo, interactivo y hasta provocativo, más como un juego entre el artista y el espectador que lo hace partícipe de la intención directa con la obra, sin análisis previo el sentido se va dando conforme a la experiencia estética y no estática, una vez iniciado no se puede saber con certeza cuál será el resultado final y la firma pareciera ser que sobra, pues con elementos tan plurales y espontáneos que no es posible darle un final a la obra.
El artista quiere cada vez más un acercamiento hacia su obra, intimidar con ella y hacerlo explotar en alguna especie de eyaculaciones (véase Pollock) es la mejor firma que se puede tener, el tener entre las manos, deshacerse del caballete e iniciar figuras y qué mejor que moldearlas con el cuerpo y hasta caminar por la obra, darle la silueta de lo que quiere ser; ahora el arte no es encargo de reyes y con esa libertad el artista decide como hacerlo a su manera, creando y destruyendo conceptos y técnicas, moldeándose a sí mismos, algunas veces en un sentido literal donde ahora el material es sustituido por nada más que el cuerpo y no de una musa, sino del artista mismo.
El artista americano de mayor influencia en el siglo XX lo describe de está manera:

Mi pintura no procede del caballete. Por lo general, apenas tenso la tela antes de empezar, y, en su lugar, prefiero colocarla directamente en la pared o encima del suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo es donde me siento más cómodo, más cercano a la pintura, y con mayor capacidad para participar en ella, ya que puedo caminar alrededor de la tela, trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro. Se trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste. Por eso, intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otras materias.α

Esto, sin duda, corresponde a un cambio, pues en una era consumista en combinación de la era tecnócrata hace que arte y cuerpo se fusionen y experimentar nosotros mismos el raro hecho no de tener mascotas fluorescentes.
El cuerpo es obsoleto dice un cyborg, el hombre-máquina (véase Sterlac) hace evidente la fusión entre arte y ciencia se juntos van haciendo híbridos tan similares como aquel caballo con un cuerno recto en la frente. Demostrando en su cuerpo/obra y por medio de prótesis robóticas ni siquiera  los más íntimo de él (que es el cuerpo) le pertenece pues hasta las experiencias que surgen de este  pueden ser involuntarias y/o manipuladas por el publico interactivo.

Con el arte cada vez está más sumergido en nuestra piel, médicos cirujanos  aplican la técnica del artista y es posible crear obras de performance quirúrgico (véase Orlan) para poder modificarse en los diferentes cánones de belleza de diferentes culturas, en esta artista la experiencia estética se lleva a otro nivel, pues es vivida en sí misma haciendo una autocomprensión del cuerpo y más allá de arte y cuerpo lo definiría como arte corpóreo pues ya no hay separación entre ellos.
La nostalgia de lo natural y de volver sobre el cuerpo humano aún en la mente de quien fantasea dentro de su esquizofrenia (véase David Nebreda) que aún con demencia en la entera soledad el ser humano tiene esta necesidad de crear arte y ahora lo hace a través de él, a través del cuerpo

Bibliografía:

·         Foucault, Michael, Las palabras y las cosas una arqueología de las ciencias humanas, México, Siglo XXI,  2004.
·         Debray, Régis, Vida y muerte de la imagen. Historia de la mirada en Occidente, Barcelona, Paidós Ibérica, 1994.
·         Juan Antonio, Ramírez. Corpus Solus para un mapa del cuerpo. Madrid, España, Siruela, 2007
α     Carrassat, P.F.R. y Marcadé, I., Movimientos de la pintura, pág. 151










Arte y Anarquismo

Por: Torres Villasana Jesus Alberto



    Para comprender el concepto de arte hay que tener en mente que es un concepto que se ha ido modificando o que ha ido evolucionando conforme lo ha hecho el ser humano, por ser una invención de éste al igual que la ciencia y las tecnologías.


    Teniendo en cuenta también que es afectado por factores externos al arte, como situaciones o circunstancias históricas, políticas, sociales, económicas, inclusive filosóficas.


    Como artista y alumno de la Escuela de Artes, me veo obligado a introducirme en un mundo creado a partir de los vanguardistas de principios de siglo XX (por estar en un periodo reaccionario a los cambios e innovaciones en el pensamiento, iniciados en dicho periodo), que con el correr del tiempo se ha ido puliendo o se ha ido reforzando y al mismo tiempo, alejándose del concepto y retorciendo lo que por arte se entendía y se entiende actualmente. En aquellos tiempos fue algo radical y totalmente nuevo el romper con el academicismo o clasicismo que se vio desde el renacimiento, por plantear así el rompimiento del yugo creativo impuesto por las influencias clericales y el poderío de los monarcas y la burguesía; pero esas rupturas dieron un rumbo escabroso y difícil de comprender a lo que por arte se entiende actualmente. Para muchos el arte es un fraude, es elitista, sólo unos cuantos lo comprenden, y para muchos está muerto, no existe; si este fuera el caso, no se debe a la falta de experimentación e investigación en el campo estético, ni por la ausencia de la necesidad que el hombre o los pueblos tengan de éste, sino por la falta de compromiso y el abandono de los vínculos con el sentido o los sentidos más profundos que toda sociedad tiene.


    “El mérito fundamental de una obra de arte es el de ser directamente perceptible. Dado que los sentidos humanos se dirigen, por una acción biológica, hacia señales relevantes, un sonido de corneta, una sirena de alarma o una obra musical destacan del ruido de fondo por su tonalidad reconocible, lo que comprensiblemente provoca en el oyente el impulso de reaccionar. Del mismo modo, en pintura, escultura o arquitectura, la estructura visual ordenada de la forma, tamaño y color de una obra realizada atrae al espectador por su inmediata legibilidad“, escribe Nelson Goodman en El arte entre los demas objetos. “En un sentido general, continúa Goodman, el orden y la armonía del objeto de arte le convierten en un oasis en un mundo caótico y perturbador. Esta estructuración perceptual permite que el objeto de arte ilustre espontáneamente unas constelaciones definidas de fuerzas que impulsan los procesos físicos y mentales en general. La experiencia purificada de temas dinámicos de base, como armonía y disonancia, equilibrio, jerarquía, paralelismo, compresión o liberación, constituye un mérito con un valor cognitivo primordial.”


    El arte es una forma de expresión que cambia con el tiempo y con la historia a la que pertenece y representa, cambia la forma de expresión, pero no el interés por articular discursos sobre asuntos comunes y universales. El hombre, para rebasar los límites que le impone su individualidad, para convertir a ésta en social, tiene que apropiarse de otras experiencias y el arte resulta, en este sentido, totalmente indispensable. El arte es un poderoso llamamiento a la acción, en tanto que ilustra diversas y potenciales formas para cambiar el mundo. Además, es un poderoso vínculo entre el individuo y la sociedad.


    Tomando en cuenta que vivimos en una ciudad en la que se da una diversidad cultural e intelectual que apenas hace unas décadas era inimaginable. Pienso que es necesario tomar en cuenta la cosmovisión de cada una de las piezas que conforma este gran y diverso rompecabezas, y no sólo a aquellos sumergidos en “el mundo del arte”.


    Como artista me cuestiono siempre si el camino que estoy tomando es el correcto, y es a partir de dichos cuestionamientos que me doy cuenta de que por medio de mi trabajo plástico puedo plantear las mismas cuestionántes a la sociedad en la que me desarrollo, el ser humano es capaz, por naturaleza, de observar, cuestionar y accionar, pienso es la manera en la se ha desarrollado el conocimiento, ahora bien, asumiéndolo de manera mas personal desde que entre a la escuela de artes cuestionar el entorno en donde nos desarrollamos, las circunstancias sociales, políticas, étnicas, económicas, religiosas, y todos los factores externos al arte que discretamente están dando forma al concepto, se vuelve un ejercicio de lo cotidiano, pero, ¿de qué me sirve darme cuenta de la situación si nadie mas lo hace?


    A mi manera de verlo, el mundo del arte aquí en mi ciudad está desarrollado en un ambiente súper hermético, lleno de “eruditos” sabiondos pedantes, y gente con un poder adquisitivo muy elevado sin ningún conocimiento o comprensión de lo que están siendo partícipes. Para introducirse en ese mundo hay que hacer “lo que ellos quieren” o “lo que a ellos les gusta” y ¿que es lo que quieren? Sería mi interrogante más próxima, pues para contestar retomo un comentario hecho por un maestro de filosofía precolombina que asegura: “América es un producto de Europa”. Somos parte de una sociedad sin identidad, es decir, que sigue un estándar de desarrollo ya predicho por una sociedad con un nivel de desarrollo humano e intelectual más avanzado al nuestro, debido a la perdida de las raíces del pensamiento prehispánico ocasionada por la occidentalización y la conquista espiritual; nos hemos desarrolla a la sombra de ésta gran máquina capitalista, trayendo como resultado, la situación actual.


    Uno de los problemas más notables y de los que más me incomoda, es la manera en la que el capitalismo ha mercantilizado la obra de arte, ha aislado al arte y al artista de la comunidad, y esto ha impedido el cumplimiento de su función social, es decir, el cumplimiento de la optimización humana y social de ésta, como su valor más grande y característico. El capitalismo ha hecho que el arte pierda el carácter público que tenía en otras épocas, y le ha transformado en mercancía de consumo individual, donde el valor del cambio es más importante que su valor estético y por supuesto más que el comunicativo y documental. El capitalismo es un mercado consumidor económicamente poderoso y manipulado por intereses comerciales que necesita renovar constantemente la oferta inventando modas transitorias que desnaturalizan la creación estética y su función social.


    Pienso que es tiempo de darle una función al arte más allá de ser un producto, se tienen que tomar en cuenta todos los factores que intervienen la manera de percibir de la sociedad, de todos los individuos que la conforman, puesto que el arte no debe ser sólo para un grupo social determinado por el estatus, intelectual o económico que le define como tal.


    Como espectador del arte, por lo menos en lo que mi poca experiencia en este campo me permite, he sido testigo de eventos en los que supuestamente se exponen obras de arte; llenas de un discurso aburridísimo y por demás absurdo, retomo lo anteriormente escrito, el arte no puede ser sólo para unos cuantos. Tenemos que ver las necesidades de nuestra sociedad para saber a quien debe ser dirigido el discurso, vivimos en una sociedad en la que desgraciadamente la educación no es igual para todos, la educación se imparte según el estatus social de las familias, y si tomamos en cuenta que tan sólo mas del 60% de la población es considerada de clase media y baja, socialmente hablando se sufre de un estancamiento intelectual de magnitudes apocalípticas, por el contrario aquellos que tienen un considerable poder adquisitivo para pagar una educación privada, se ve privado al mismo tiempo de la sociedad, creciendo en un círculo tan hermético como en el que el mundo del arte se ha desenvuelto.


    La sociedad se está pudriendo en falsedades eclesiásticas y sistemas políticos llenos de basura y mentiras. El arte debe hacer reflexionar a la gente que no tiene la habilidad o la capacidad de hacerlo a través de las letras o los sonidos como pocas personas lo logran. Vivimos en una sociedad que cada vez más se ve hundida en un materialismo consumista y superficialismos absurdos creados por el consumo masivo de productos que no sirven nada más que para ser consumidos; puesto que la mayoría de los jóvenes de la actualidad prefieren dejar los estudios para buscar un trabajo denigrante y mal pagado por la falta de preparación, enriqueciendo a los dueños de los monopolios comerciales que cada vez se hacen más fuertes y a su vez va destruyendo lo que una vez fue la raza humana para convertirla en herramientas para la mera satisfacción de sólo unos cuantos.


    Esto es lo que veo en mi sociedad, y teniendo en mis manos la capacidad de crear y cuestionar, creo fervientemente que el arte debe dejar de ser un producto comerciable (vendible o comprable), por lo menos para las personas que no tienen las facilidades adquisitivas, y convertirse en un catalizador de reflexión, es tiempo de poner los pies en la tierra y hacer algo por nuestros prójimos y el entorno en el que nos estamos desarrollando, puesto que si no hacemos conciencia ahora después será demasiado tarde, pues la gente se enajena de su entorno cada vez más y más, para ser una especie de máquinas programadas para producir, consumir y destruir.


    “Las grandes épocas creadoras coinciden con la autonomía de la cuidad y la organización federalista de la sociedad. Por consecuencia, en las épocas dominadas por el pensamiento o la acción política, la cultura decae” escribe Andre Reszler en su libro La Estética Anarquista.


    Tomando como referencia lo propuesto por Jorge Alberto Manrique en su artículo “¿Arte o no-arte?”, donde enuncia tres características fenomenológicas que se dan dentro del concepto del arte a través de la historia. La primera sería el hecho de juzgar la obra de arte como una selección en la naturaleza o en el mundo que nos rodea o nos constituye. Desde que el arte se plantea como una representación, ninguna obra pretendió representar toda la naturaleza, sino una parte específica (la mejor, la más bonita, la más monstruosa, etc.) de esta manera, el artista nos da su visión del mundo, lo que el piensa o siente de la realidad. La segunda se refiere a entender la obra de arte como una expresión, puesto que hay una representación de la naturaleza (como enuncia la característica anterior) no puede depender de otro factor más que del artista mismo. Y la que al igual que el autor pienso es la más importante es la tercera que se refiere a los factores extrínsecos del concepto: la función de las obras de arte dentro de una sociedad. Como asegura el autor más delante de este mismo texto: “lo más que puede decirse, es que a una sociedad ‘le conviene’ producir obras de arte, por tales o cuales razones, pero de ninguna manera que le sea indispensable para existir, el producirlas. De ahí que la obra de arte pase a formar parte de colecciones, galerías o museos, hay un solo paso: su ingreso a tales instituciones la sanciona como artística, pero también le certifica su condición de innecesaria”.


    A todo lo anterior, uno de los problemas más emblemáticos del arte contemporáneo es ver el objeto de arte como producto comerciable (especialmente para aquellos que buscan un beneficio monetario por el trabajo elaborado) para aquellos que persiguen los estándares primermundistas del concepto, que como menciona el autor anteriormente citado “le certifica su condición como innecesario”.


    Propongo abordar el concepto de arte de una manera aristotélica, solo en el aspecto “como un modo específico de conocimiento”, a manera de apropiación de la realidad o a manera de una herramienta, el arte como una herramienta cognitiva que ayude a la sociedad donde nos desarrollamos, para cuestionar y comprender lo que en ésta misma sucede, como en su momento el movimiento del muralismo mexicano, pero con fines no precisamente pedagógicos.


    La estética anarquista parte de considerar al arte como expresión indispensable en la vida de los pueblos y los individuos, en tanto se trata de una praxis que fusiona la imaginación con el trabajo. El arte ha sido y puede volver a ser “trabajo liberado y liberador”, pues en él se evidencia lo mejor de la persona y de los colectivos.


    El anarquismo de matiz más social, desde Proudhon y Kropotkin en el siglo XIX y hasta Rudolf Rocker y los revoltosos vanguardistas del siglo XX, inste en ligar las posibilidades libertarias del arte a su papel de experiencia esencial para el imaginario y el accionar colectivo.


    “La estética anarquista es el guardián del espíritu de ruptura. Y puesto que tiene la mirada fija en el porvenir – la utopía – interpreta tal vez mejor la aspiración del artista de hoy a la libre expresión de su fe heterodoxa.” Escribe Andre Reszler en su libro La Estética Anarquista.


    Es importante diferenciar las propuestas de la estética anarquista de las propuestas de la estética marxista ortodoxa que radica en tres puntos clave: 1) La visión del compromiso social del arte y el artista; es una de las similitudes más comunes en ambas doctrinas filosóficas y aunque ambas exigen vincularse a la lucha por la libertad y la igualdad, el Anarquismo enfatiza que éste es también el combate por un arte libre de constricciones internas y externas a él que lo empobrecen y someten; mientras el marxismo llama al artista a la lucha más como una obligación social. 2) Relaciones entre forma y contenido en el arte; para los pensadores anarquistas no tiene sentido establecer cánones perceptivos en forma o contenido, pues la estética anarquista llama a la experimentación, como un culto a lo ignoto, sin desperdiciar lo que hay de vital en la tradición; al contrario, en la ortodoxia marxista-leninista se considera como verdad revelada a la temática del realismo socialista. 3) Interpretación del fenómeno artístico; aceptando lo enunciado por los marxistas: el arte tiene obvias raíces histórico-sociales, la estética anarquista reivindica la autonomía del proceso creador, pues explicar la actividad artística por un determinado estrecho —como suele suceder con la ortodoxia marxista—impide potenciar su función innovadora y subversiva, la cual para la estética anarquista está no sólo en el contenido y su significación social, sino también en la forma y en el acto libre de la creación.





Bibliografía

• Reszler, Andre. La estética anarquista. 1974


• Manrique, Jorge Alberto, ¿Arte o no-arte?, Revista de la facultad de Filosofía y letras, Vol.1 Mayo-Agosto 1968.

• Goodman, Nelson -“El arte entre los demás objetos.”

• Revista latinoamericana de estudios sobre la historia
http://www.rlesh.110mb.com/

• Hernan Montecinos, Proceso creativo y su función social, septiembre 2009 http://hernanmontecinos.com/2009/09/14/el-proceso-creativo-y-su-funcion-social/

• Cristina Híjar González, Zapatistas, lucha en la significación. Mayo 2007 http://discursovisual.cenart.gob.mx/dvwebne9/agora/agohijar.htm

• Revista Critica Acida
http://criticacida.wordpress.com/

• El "arte del porvenir": algunas concepciones ácratas
http://vereda.saber.ula.ve/ARTORIEN/arorien15.htm

• Julio CuFarfán López, Elsa Ofilia Barragán Molina, Universidad Autónoma de Coahuila, Propuesta de una Percepción Estética y Patética como Proceso de Cambio en el Desarrollo de los Universitarios
http://www.congresoretosyexpectativas.udg.mx/Congreso%205/Mesa%204/ponencia25.pdf

• Sergio Pereira Poza, La dramaturgia anarquista en Chile: ¿un discurso ideológico?, diciembre 2008 http://www.scielo.cl/scielo.php?pid=S0718-71812008000100006&script=sci_arttext

• Alvaro Marín Marín, El anarquismo en México, Sociedad Mexicana, Universidades y Cultura, julio 2005
http://www.geomundos.com/sociedad/universidades/el-anarquismo-en-mexico_doc_5474.html

• Mónica Serrano Díaz, El anarquismo http://www.monografias.com/trabajos14/anarquismo/anarquismo.shtml

• Diccionario de Filosofía Latinoamericana http://www.ccydel.unam.mx/pensamientoycultura/biblioteca%20virtual/diccionario/anarquismo.htm

• Julio LeParc, Función Social Del Arte En La Sociedad Contemporánea, agosto 1970
http://www.julioleparc.org/es/text_detail.php?txt_cat_id=3&txt_id=23

• Anarquismo y Arte: Introducción a la Visión Estética Libertaria, 1999 http://nomadant.wordpress.com/biblioteca/textos/estetica-libertaria/

• s/n. Castellón. Imágenes con función social, febrero 2003 http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/6389/Imagenes_con_funcion_social

• Fernando Pessoa, Sobre la función social del arte, 1916 http://ensayopessoa.blogspot.com/2007/10/sobre-la-funcin-social-del-arte.html

• Itzel Rodríguez Mortellaro, La función social del arte según José Vazconcelos http://sepiensa.org.mx/contenidos/h_mexicanas/s.xx/vasconcelos/vasconcelos_1.html




El Graffiti, su historia y facetas alrededor del mundo.



El grafiti como lo concebimos actualmente es un arte joven relativamente hablando pero ha impactado de manera tal cada rincón del planeta. Dejando rastros de sus influencias a cada espectador o transeúnte. Cada país tiene un gran número de exponentes de gran calidad y han logrado sacar la casta al grado de llevar este arte joven callejero a las más importantes galerías a nivel mundial. Pero no solo eso con el aun más actual surgimiento de Internet este fenómeno de rango ilimitado y de ilimitadas posibilidades lleva a estos artistas a expandir en un medio tan enorme como el globo mismo.
           Anteriormente grafiti que proviene del italiano “sgraffio” que significa rascar o esgrafiar se enfocaba en mensajes o letras simplemente. Pero actualmente se han explorado un sin fin de posibilidades, técnicas, materiales y superficies de tal manera que personajes, símbolos y abstracciones han empezado a proliferar.
Muchos  llaman a este fenómeno post-graffiti el cual se caracteriza por ser más innovador.
Como antes mencionado el graffiti tiene su aparecimiento en años no muy remotos pero si nos remontamos hasta la aparición del hombre podremos vislumbrar algunas apariciones prematuras de este movimiento tal es el caso de las cuevas de Lascaux en Francia, se puede apreciar en un muro la anticipación de un hombre ante lo que podemos llamar esténcil y pintura de spray ingeniosamente, colocando su mano en la pared y soplando un pigmento de roca con un hueso dejando un rastro de su existencia inefable.
En Alemania durante la segunda guerra mundial los nazis usaron maquinaria para pegar propaganda en las paredes y así difundir su mensaje de repudio hacia los judíos y disidentes. También fue importante durante este tiempo para los protestantes en contra del régimen  Hitler, pegaron propaganda y pintaron slogans hasta el día de su captura  el año de 1943. También usado en los años 60´s y 70´s  por el movimiento de jóvenes pacifistas en sus pancartas.

 Unos cuantos años atrás empezó a surgir lo que hoy llamamos tagers que son los que habitualmente ponen su nombre o pseudónimo lo cual era como una marca de territorio y dependiendo el tamaño y el lugar los hacia mas imponentes.
         
            Los tagers buscaron la forma de hacer sus tags más y más grandes y las llamadas “piezas” o “master pieces empezaron a surgir en los trenes de Nueva York.
           Como el medio de transporte que es habitual y da la vuelta a la ciudad un sin fin de números de personas verían los tags. Un golpe atinado por parte de estos artistas.
           No tardo mucho en aparecer otro tren también intervenido y los tagers buscaban más y más trenes para intervenir. Más trenes, mejores piezas, esténciles en las calles así hasta tupir por dentro los trenes.
         
En los años 80´s el reclamo no se hizo esperar la gente decía que no había un solo tren sin estas marcas por doquier  fue en ese momento cuando las autoridades tomo acciones para proteger “sus propiedades” del graffiti poniendo cercas en los túneles de los trenes y borrando los tags seguido. Para este entonces el fenómeno ya se había difundido por todo USA. Y pronto los trenes se volvieron el objetivo en Europa al mismo tiempo que la primera exhibición de graffiti tomaría lugar en Ámsterdam..                                                                   
    

        Muy pronto a principios de los 80´s empezaron a surgir piezas en Europa y lugares como Ámsterdam y Madrid fundamentaban estas acciones con raíces de la cultura punk. Por otro lado fue con la llegada del Hip-hop cuando la escena del graffiti tomo más fuerza, empezó a tener más y más influencia del modelo americano, Asia y Sudamérica lo adoptaron después y ahora la cultura del graffiti ha crecido y alcanzado un alto estándar particularmente en Sudamérica.
 El modelo newyorkino se centra más que nada en la distorsión de letras pero últimamente mas formas han emergido de esta vertiente. Las ramas de esta se dividen en subtipos de letras: esta la legible ¨blockletter¨, la distorsionada y entrelazada ¨wildstyle¨, las ya tan familiares ¨bombas¨ o ¨bubblestyle¨, y las 3D que van desde tipografía pasa por formas cómicas de personajes hasta el foto realismo.
Logo y graffiti icónico
             La lata o pintura en aerosol ¨spraycan¨ ha sido desde sus inicios la herramienta tradicional del graffiti pero la gamma de materiales se ah extendido con los años y con esta también la gamma de posibilidades: pintura de óleo, acrílico, carboncillo con base de aceite, airbrush, pósters y stickers por mencionar algunos, la técnica que últimamente atrapa la atención de los artistas actualmente es el esténcil (que involucra pintar con aerosol un diseño previamente cortado sobre una superficie plástica) ha traído a uno de los mas reconocidos artistas del graffiti. El artista británico conocido como Banksy con sus imágenes con motivos irónicos políticos.
             El surgimiento de Internet ah jugado un rol crucial en la evolución del graffiti, muchos artistas han visto a este medio como un campo de acción adicional un buen ejemplo seria ¨Art crimes¨ que definitivamente se ha convertido en el sitio que ah dado mas a conocer el talento de muchos escritores a una audiencia mucho mas amplia. En muchos países estos bancos de datos que contienen imágenes, textos, videos. Son importantes y significan ganar acceso a ver las influencias que se tienen en otras partes del mundo. Antes de la revolución del Internet en cada continente, país, incluso distrito tenían su propia manera distintiva de hacer graffiti. Hoy en día esa diferencia aun existe pero tomando en cuenta la globalización caemos en la conclusión de que son estilos que pertenecen al mundo entero.
El mundo del graffiti muchas veces se rige por ciertas normas como también hay un lenguaje dentro de este mismo, términos usados para identificar diversas costumbres, prácticas y personajes. Es muy común que esta terminología sea la que usaban en Estados Unidos cuando inicio toda la escena del graffiti.

Terminología del graffiti

Crew:
Consiste en una agrupación de grafiteros que tienen ideas, gustos o estilos que son afines entre si con respecto a pintar o simplemente compañerismo o amistad.
Lo cual ayuda al crew a la hora de crear alguna obra de graffiti o ¨produccion¨. Muchas veces el tag no esta solo o son abreviaturas  del los tags mismos, generalmente en un crew se autonombran con siglas las cuales provienen de un nombre con el que todos quieren y están de acuerdo llamar el crew

Bombas / Flops: Son totalmente de carácter ilegal. Son normalmente firmas ya sea del escritor o del crew, son hechas normalmente con un fondo monocromático y con gran velocidad, esta práctica requiere de mucha destreza ya que las bombas o flops son hechos sobre superficies de difícil acceso.

Producción: Se refiere a una obra que comprende mucho más espacio que una obra. Generalmente es hecha por todo el crew. Ya antes se tenia una practica parecida en sus inicios en E.U. el fin de esta era determinar quien dominaba la zona.

TOYS o TOY: Es un termino que se utiliza para nombrar de manera peyorativa a un principiante o inexperto, también se utiliza este termino para denominar a un individuo que no respeta al graffiti y lo demuestra rayando o tachando otros tags, obras o producciones ajenas. El significado de TOYS o TOY (juguete) es trouble on your system.

Stickers: Un estilo prácticamente reciente dentro del graffiti pero que ha tomado un carácter realmente importante en algunas partes del mundo. Consiste en hacer un diseño en un papel autoadhesivo, estos pueden tener ya sea una firma del escritor o del crew también puede tener un mensaje o personaje con un tema en especial. Esta disciplina esta también muy cerca de lo que llamamos street art por su facilidad y afinidad con las intervenciones en espacios públicos.

Piezas: Son graffiti hechos con muchos colores normalmente individuales carecen por lo general de un fondo elaborado; El conjunto de varias piezas y un fondo elaborado es una producción.

Secuencia: Es el método de registro fotográfico que se usa para capturar fotos de trenes, camiones o paredes. Consta de varias fotos una siguiendo a la otra y luego yuxtapuestas para formar una secuencia.

Graffiti actual

           
En la actualidad el graffiti ha dado un giro de manera que hay artistas que ya no hacen firmas sino símbolos, signos, personajes de tamaños monolíticos. Los esténciles, stickers y de mas intervenciones que además juegan con los espacios, iluminación, agua, elementos cercanos tales como automóviles, incluso personas y demás elementos del entorno lo cual le da un matiz aun mas interesante y sobrio a la pieza.
                  Muchos de los artistas atribuyen esta evolución o transición en gran parte a su entorno, la arquitectura, la política, la televisión, el Internet que emiten miles de códigos y símbolos los cuales son reinterpretados y plasmados sobre un muro.

En conclusión
El graffiti es un arte joven con mucha historia se inicia primero que nada por la necesidad de los habitantes de Nueva York por marcar su territorio, se difunde a todo Estados Unidos y posteriormente a todo el mundo. Esta en constante evolución ya que las condiciones que propician su desarrollo son optimas para su difusión y crecimiento de tal manera que esta cambiando tanto en su imagen como temática y técnicas.
                  Es un arte que pretende llevar imágenes nuevas a un publico que no puede rehusarse a ellas ya que se encuentran donde se desenvuelven todos los días, últimamente ha tomado un giro y a cobrado aun mas ese carácter de intervención en el espacio jugando con un entorno casi siempre a su favor.
                 En muchos de los casos el ideal de estos trabajos es llevar imágenes a la calle que sean simplemente agradables o divertidas pero hay otro tipo de artistas que utilizan este medio para hacer sátira política con mensajes con el fin de crear conciencia en la gente que lo observa. 

                 El mensaje
Graffiti no es más que una constante competencia. La competencia nunca termina siempre hay algo que ver y alguien a quien nunca le debes quitar el ojo de encima.
Viene en la mañana cuando acabas de despertar y te encuentras como un adulto que necesita hacer dinero, y eso se convierte en un nuevo reto. Algunas personas renuncian al graffiti a estas alturas, o ellos deciden separarse por el bien de los signos de dólar. Para otros el reto les está canalizando el espíritu creativo en un medio de vida.

Talvez es un trabajo de diseño grafico o una carrera en artes, hay posibilidades para los escritores de las cuales hace cinco o seis años atrás se reían y ahora ahí están. La salida es a menudo la forma en de entrar. Cuando tú comienzas a rayar ¿Qué esperabas de ello? Un poco de representación y mucha diversión, esperamos sumergir nuestros dedos índices en esta agua llenas de tinta y por cualquier razón te lo muestra. Reconoce lo real.


12ozProphet, September 2009


imagen tomada del libro ¨We were here¨ pag. No. 48                                         















Imagen tomada del libro ¨Street logos¨ Pag. No. 74                                                    




























Imagen tomada del libro ¨Graffiti art World 2004¨                                                    autor de la obra ¨Acamonchi¨
Pag. No. 25











Imagen tomada del libro ¨Graffiti art World 2004¨                                                    autor de la obra ¨Banksy¨
Pag. No. 138








Bibliografía



-
Ganz, Nicholas, Graffiti art World 2004, Nueva York, Harry N. Abrams, inc; 2004.

-Yutronic, Jose, El libro del graffiti de Paderpes, Santiago de Chile, Paderpes, 2005.

-Manco, Tristan, Street logos, Inglaterra, Thames & Hudson, 2004

- libro electronico en formato PDF, We were here, 2004.

-
http://www.12ozprophet.com/



ANÁ LISIS DE NUEVAS TENDENCIAS II

ABRIENDO LOS OJOS BLOQUEANDO EL OÍDO
 BERENICE HERRERA VILLALPANDO

Antecedentes del leguaje de sordos a grandes rasgos, en orden cronológicamente.


Prehistoria
No se han encontrado antecedentes en esa etapa de la historia, ni arqueológicamente ni en las pinturas rupestres, pero se conoce que en la prehistoria se comunicaban a través de gestos y movimientos corporales por lo tanto las senas ya estaban presentes.

Edad Antigua
Creo que aún seguimos de alguna manera igual, ya que en esa época el aspecto físico y siquiátrico era muy importante y diferente, parecía aterrador, provocando suspensión en la sociedad, pero lo diferente entre esta época y aquella es que la Edad Antigua se caracteriza por el desconocimiento y desinterés en los sordos y toda clase de anomalías.
Dependiendo del país, el pensamiento es diferente en relación a los sordomudos y considero que en todos, por ejemplo en Egipto, a los sordos se les creía personas muertas lo cual lleva a las plegarias y exorcismos, se decía que la vida entraba por un oído y salía por el otro, por lo tanto esto no se cumplía en ellos. En la India, por ejemplo, se creía que estaban poseídos por demonios estos datos son encontrados en los años 1,500 A.C., esta creencia duró toda la Edad Antigua y la Edad Media. En Grecia su pensamiento era fundamental, le llamaban logos, pensamiento desarrollado en la lógica. No hay arte posible para instruir al sordo.
Así como los reyes y el pueblo hablaban sobre los sordos, los filósofos también lo hacían, por ejemplo Platón, Aristóteles, Sócrates, Pitágoras, Sócrates, entre otros, todos de alguna manera coinciden en que es algo físico, mental y espiritual, lo cual sólo Dios lo podía resolver.

Edad Media

Los pensamientos de la Edad Antigua persistieron pero había una cantidad de reflexiones y situaciones por ejemplo los romanos clasificaron a los sordos junto con los mudos y retrasados mentales.
Se hace una clasificación de sordos: sordos de nacimiento, sordos por accidente, mudos, sordos de nacimiento pero no mudos.
A los sordos se les considera como inútiles, personas que no pueden pensar ni comprender, en la inquisición se eliminaban a todas las personas con discapacidades.

Edad Moderna
En esta época hay cambios de forma positiva, son escuchados los comentarios del pasado. Se empezaron a dar cuenta de que los sordos sí se podían comunicar al igual que todos los discapacitados. Juan de York, oyente, creo una comunicación de forma intangible, sus ensayos los hacía con un joven sordo, pero aun así las esperanzas se bloquearon porque en la iglesia católica se creía que la educación era importante y se aprendía leyendo, eso quiere decir, utilizando palabras, pero ellos no lo entendían, así que para qué perder el tiempo enseñando algo que no sabrán hacer.

Época de Oro del sordo: Fines del siglo XVIII principios del XIX
En 1815, por un hombre rico y poderoso se reconoce el derecho a la educación de los sordos, y las senas como lengua natural del sordo. En Europa este sistema fue creciendo de forma en que se realizaron escuelas y que las clases fueron impartidas por el mismo sordo, esto empezó a formar parte del mudo y todo gracias a Napoleón Bonaparte, los apoyaba tanto que creó leyes civiles para ellos.
De aquí en adelante pasan cosas extraordinarias para los sordos, cada vez más sordos aprenden señas y ellos se desarrollan por fin como los seres humanos. Lepee, 1755, las senas metódicas, Pierre Descoges, sordo, Instituto Real de los Sordos, Instituto Nacional de los Jóvenes Sordos, José Michel Alfa, sordo, Instituto Nacional de Sordomudos de París, 1742 1822,Berthier, filósofos Condillac, muchas personas, tanto oyentes como sordos se apoyaron para salir adelante y darse a conocer.

Edad Contemporánea

Comienza en la Revolución Francesa en 1789 hasta nuestros días,
Es cuando los sordos logran establecer su forma de comunicarse con símbolos que representan movimientos corporales.

La Historia del Sordo en México
 Ramón Isaac Alcázar nació en 1823 y falleció en 1886, oyente, nació en Morelia Michoacán, se desempeño como director de la academia Nacional de Bellas Artes y del Museo Nacional, segundo director de la Escuela Nacional para Sordomudos. Ramón era poeta y artista dramático.
Al enterarse de la situación del sordo, recurrió al presidente de la república, quien en ese momento era Benito Juárez {1806 1872} fue presidente de 1858 a 1872, éste junto con su ministro de justicia Ignacio Ramírez, promulgaron una ley en 1861 la cual establecía la Institución de Escuelas Publicas para Sordos, fue la primera ley que tomó en cuenta a los sordos.
Otra persona importante en la historia del sordo es Eduardo Adolfo Huet Merlo, nacido en Francia {1820 - 1882}, quien era sordo unos dicen que de nacimiento y otros que perdió el oído a los 12 años, él realizó sus estudios en la Escuela para Sordomudos de París, en 1850 se fue a ejercer a Brasil, antes de llegar a México fundó la Institución Imperial de Sordomudos en Rió de Janeiro, cuando Huet llego a México, su primer contacto con los sordos fueron los indígenas, fue tanta su impresión que trató de enseñarles señas francesas pero es inevitable, los sordos se comunicaban con acciones. Tiempo después conoce a un estudiante que era azteca, se empieza a integrar, con su familia, Huet sabía varios idiomas pero el lenguaje azteca no, lo cual llama su atención, al igual que la cultura azteca.
Juárez en 1861 intentó abrir la primera la Escuela Nacional para Sordos pero fracasó por la intervención francesa, ya que la política en México era conflictiva y acababa de terminar la Batalla del 5 de Mayo 1862 contra los franceses: la Batalla de Puebla, pero lo primero que hizo Juárez cuando México ya estuviera más estable fue tomar en cuenta a los sordos.
Junto con Alcanzar, Huet fue buscando un local en la ciudad de México, fueron con el filántropo José Urbano Fonseca para que les ayudara José una persona influyente quedó sorprendido del proyecto, así que decidió ayudar dando el edificio de las calles de San Juan de Letrás en la ciudad de México, así fue como se estableció la primera escuela para sordomudos en 1866.
Huet comenzó en la escuela con tres estudiantes, quienes no se podían comunicar entre sí, ahí fue donde Huet creó un lenguaje con fines didácticos, tomando como base el lenguaje de señas francesas, poco tiempo después pudieron comunicarse entre sí, fue todo un éxito.

De ahí sucedieron muchos movimientos que hacían crecer el conocimiento así a el aprendizaje del lenguaje del sordo, el 28 de noviembre de 1867 se constituyó como el Día Nacional del Sordo lo cual es muy importante para ellos. Para 1998 aquí empezó a funcionar el bilingüismo, tomando como lengua madre el español. Esto es imposible, antinatural y no es bilingüismo, en Tijuana creó escuelas especiales para sordos, en 1984-1985 acepta la señas como programa piloto pero no como idioma, sino como una ayuda, en Tijuana empieza la educación secundaria con intérpretes en 1999 en playas en Highlan Prince Academy siendo el primer colegio de la republica mexicana que inició con una integración total; dos años después en la secundaria pública Alba Roja en 2005 se abre la preparatoria municipal y la primera puerta abierta.
Hoy en día hay muchas personas interesados en que se agranden el conocimiento al lenguaje de sordos, por ejemplo la bisnieta de Huet quien quiere establecer el oralismo en México.

Opinión respecto al desarrollo del lenguaje de sordomudos en Tijuana

Como ya lo mencioné en la parte superior, el 28 de noviembre es el día del sordomudo en México y aseguro que todos somos seres humanos que todos tenemos diferencias que nos distinguen pero este evento es para todos.
He estado recolectando información respecto a Tijuana y cómo una persona externa a esta situación los comentarios que he escuchado de las asociaciones para ayudar al sordo en Tijuana no son muy buenos, en parte del material que tengo se habla de cómo las instituciones se desarrollan, sus misiones, sus clases, profesores, directores, etc., pero la verdad no me convence puesto que siento que hablan desde ellos y no desde el sordo en sí, quiero decir ¿dónde está el sordo?, pongámoslo así: si yo tuviera un hijo sordomudo y quisiera que toda mi familia aprendiera el lenguaje de señas para ayudar a mi hijo y comenzara a preguntar sobre lugares a la gente que conozco, la verdad no me entusiasma ninguno de los lugares puesto que no hay buenos comentarios de las instituciones, por ejemplo, tengo entendido que entre ellas no se llevan, bien y creo que no se trata de eso sino de ayudar a unas personas en específico a integrarse en una sociedad, pero si las instituciones que se encargan de eso no están unidas como quieres integrar al sordo a un ambiente con un ejemplo así, ¿acaso se trata de mostrar que Tijuana no puede con esto? Yo creo que solo hay que organizarse para poder avanzar, sé que existen diferentes formas y teorías de ejercer el lenguaje de señas pero todo cae en la ayuda hacia los sordos.
Algo que me inquieta es por que están aferrados a que el sordo entiendan lo que pasa a su alrededor y el idioma, creo que jamás seremos iguales y no estoy discriminando, sólo soy realista, tenemos situaciones diferentes y por lo tanto nos desarrollamos diferente, lo peor de todo es qué los aferrados son los oyentes, que horrible que nosotros queramos ayudarlos y en vez de hacerlo los bloqueamos más, no estamos hablando de religión, ni posición social, estamos hablando de sordos, gente que quiere aprender pero tienen miedo de hacerlo, por que no les ayudamos en realidad es algo que sólo un sordo puede entender y es en ese el lugar donde uno se tiene que poner para poder comenzar a ayudar.
El miedo, importante en esta situación, las reacciones del ser humano a algo diferente, son obvias, llama la atención de inmediato, muy probablemente rechazo, bloquearse en ese momento eso es el miedo a lo desconocido, no sabemos cómo comunicarnos desde un principio hay miedo de los sordos pero no increíble es que también de los oyentes, lo interesante es que ninguno de los dos lados lo saben y por lo tanto no hay comunicación. ¿Que puedo hacer yo? Este trabajo, primero que nada pasar información respecto a lo que pasa en nuestra sociedad y no lo vemos, o no lo queremos ver por que no lo entendemos, y a pesar de no ser sordo, sordo mudo, mudo, siego, paralítico, etc., Siempre hay formas para comunicarnos y mi forma de hacerlo es decirles a ustedes, a los oyentes que ahí están para que los ayudemos, ahí están los eventos que se hacen referentes al sordo, incluido el arte ha participado en muchas de sus formas, por ejemplo una obra de teatro llamada, el circo donde nadie oyó dada, organizada por camp, esta comedia trata sobre una detective que no sabe el lenguaje de señas y tiene que ayudar a una persona sordomuda que trabaja en el circo conforme pasa la obra la detective va aprendiendo señas y de esa manera resorbiendo el caso, esta obra se presento en el Cecut , en Tijuana Baja California Norte.

Hay eventos en las mismas asociaciones de sordos y en las iglesias pero no se hace mucha difusión por ejemplo el proyecto de Charly, un joven que a pesar de sus “discapacidades” ha sabido sobresalir al grado de llegar al periódico con su obra y su ayuda. Los eventos que hace este joven son convivíos referentes al día del niño, su cumpleaños y navidad, estos eventos son para que niños con “discapacidades” se conozcan y combinan haciendo actividades diferentes, como jugar, bailar, crear, ver experimentos, pintar, todo con supervisión de adultos y gente que sepa lo que esta haciendo. Ahí es donde creció mi curiosidad y mi inquietud por hacer algo, yo he participado en esos eventos como en el de Charly, en la área de pintura y cuidado ha los niños con “discapacidades”, al trabajar con los niños te das cuenta que tienes que hallar la manera para comunicarte con cada uno de ellos con forme su situación es difícil, agotador pero muy constructivo y agradable, ¿Por qué?, por que estas haciendo lo que te gusta que es el arte, en mi caso y aprendiendo a trasmitirlo a personas como esos niños.

Desde que tengo memoria me a interesado ayudar a esas personas pero no me he desarrollado en esa área, parte de mi interés a sido mi familia ya que hay en ella una persona paralítica y una con deformación física, y mi interés respecto a los sordomudos es por que no es tan fácil comunicarse con ellos ni hacerlos entrar a la sociedad de manera que lo puedan entender ellos y las personas que lo rodean, por ejemplo, en las instituciones permiten entrar a ciegos porque oyen y hablan, no ven pero pueden entender, los paralíticos ven, oyen, hablan y comprenden pero un sordo bloquea el medio de comunicación mas inmediato que es el oído y en algunos casos el habla, lo cual hace que en las instituciones no se les acepte, por que no hay el tiempo suficiente para enseñarles y que comprendan lo que dices así como no hay gente preparada para hacerlo, hay formas en que los sordos se pueden integrar mas fácil y son con un interpretes y maquinas que te traducen en señas lo que no oyes, pero seamos realistas, todo cuesta y esto cuesta caro por lo que un sordo no puede comprar ya que no hay estudios ni trabajo ni gente que les de la oportunidad, es una cadena difícil de romper.
Un día platicando con gente que esta relacionada con el tema, aporte ideas que probablemente alguien ya las aya dicho antes pero por la situación no se hace nada, la propuestas eran que se impartieran señas en las instituciones así como el ingles y que se impartiera una clase con toda la información en discapacidades para que podamos entender lo que en muchos casos es externo a nuestra vida, tengo entendido que todos podemos estudiar y hay leyes que dicen que ellos también pero no se acercan por que no pueden comunicarse con todos tan fácilmente, así pues el motivo de mis propuestas, “aprender para dejarlos entrar”. Estas propuestas yo las diré pero no es a lo que me dedico ni lo que estoy estudiando pero tengo una teoría sobre el sordo y el oyente., Uno de los sentidos mas importantes en el arte, es la vista, por lo tanto los sordos no oye y algunos no hablan pero ven al igual que los oyentes, mi forma de integrar las señas y con ellos a los sordomudos en el desarrollar una serie de obras que al momento que te acerques todos podamos entender las piezas, es importante decir que no es fácil ya que las forma de comunicarse con el lenguaje de señas se maneja diferente a como uno lo habla por ejemplo: nosotros decimos, mi mamá esta en la casa y ellos dicen la casa la tiene a mi mamá, otro ejemplo, oyente dice: quiero un café, sordo dice: café quiero, es decir primero es la cosa y luego el verbo, esta es una tantas reglas que uno tiene que aprender para comunicarse con ellos, así es como en mis piezas pongo imágenes que refieran a, a alguien, algo o una acción, al principio del año 2009 realice un libro de artista desarrollando mi teoría sobre el arte y las personas sordomudas y oyentes, el lenguaje de señas es con las manos y gestos faciales por lo tanto el libro de artista trata de una serie de señas que en el interior de las manos tienen unas imágenes de su significado, este libro de artista es un boceto para grandes proyectos como exposiciones de pinturas, fotografías, etc., En gran formato y el invitar a sordos a exponer sus piezas que son verdaderamente interesantes.
Es importante mencionar que cuando te falta uno de tus cinco sentidos se desarrollan los demás automáticamente, en el caso de los sordos el sentido que se desarrolla mas es el de la vista, su forma de comunicarse es a través de los dibujos, la pintura, escultura, etc., no es que alguien les dijera que esto es el dibujo o la pintura o como se hace, ellos ya traen esa información de expresión por su necesidad.


Estas imágenes son parte del libro de artista que realice.

Otro evento que se hace en el Cecut y el palacio es el celebrar en día del sordo, 28 de noviembre en el que se realizarán actividades para celebrar el día del sordo en México, es ahí donde uno como artista puede aportar algo sin salirnos de lo que nos gusta mostrar al mundo.





 
 
 
 
 

Fotos de una de las actividades del 28 de noviembre 2009
















Fotos por Berenice Herrera Villalpando.

ANEXO:


Asociaciones en Tijuana (2002)

C.A.M.s CENTRO DE ATENCIÓN MÚLTIPLE
PLAYAS
CAM BENITO JUÁREZ
CAM HELLEN KELLER
CAM TIJUANA
CAM GABRIELA BRIMMER
CAM MESA DE OTAY
CAM JARDÍN
CAM JARDÍN GUAYCURA
CAM DE LA FRONTERA
CAM MATAMOROS
CAM ROSARITO

C.A.P.E.P CENTRO DE ATENCIÓN PEDAGÓGICA DE EDUCACIÓN PREESCOLAR
CAPEP JARDÍN GATO BRONCO
CAPEP JARDÍN GUAYCURA
CAPEP No. 1
CAPEP No. 2 JARDÍN DEL NIÑO JOSÉ VERDI
CAPEP No. 4 JARDÍN DE NIÑOS NEZAHUALPILI
CAPEP ZONA RÍÓ TIJUANA

U.S.A.E.R. UNIDAD DE SERVICIOS DE APOYO A LA EDUCACIÓN REGULAR.
A.P.S.O.R ASOCIACIÓN TIJUANA EN APOYO AL SORDO
C.RAMOS LÓPEZ VELARDE, 5608/C COL. MONTEBELLO

BIBLIOGRAFÍA

1
Herrera Sánchez, María de Lourdes, Orden cronológico de la historia mundial del sordo y su lenguaje, México, 2003,p.p. 76.
2
López García, Rodríguez Cervantes Rosa María, Zamora Martínes Maria Guadalupe, modelos Alejandro Gallardo, Bricia Castillo, Clariza Rivera, Jaime Reyes, José Rivera, Juan Carlos Motalac, Gina Mayary, Niram Bustamante, Juan Belmont, Luís López, Maria Flores, Maria Martínez, Mis manos que hablan, lenguaje de señas para sordos México, trillas, publicación 2006,reimpresión,2008,p.p.326.
3
González Cano Susana, directorio de instituciones, Tijuana B. C, 2002, p.p. 25.

Parte de las biografías que puse son de trabajos de algunos estudiantes del lenguaje, por lo tanto no tienen editorial.