FORMACION PROFESIONAL EN ARTETERAPIA

Por:Maria Luisa Chávez Vega.

 Formación profesional en Arte Terapia.

     Como alumna de la Licenciatura en Artes Plásticas, he tenido en el transcurso de la carrera un mayor acercamiento a diversas actividades que se relacionan con las artes visuales. Lo cual me ha ayudado a comprender que ser artista no sólo es la persona que genera obras de arte, sino aquella que logra conocerse y poder desarrollar en buena medida el  conocimiento que  aqui se genera. Además este mismo acercamiento de las creaciones artísticas actuales, me ha llevado a formar un juicio acerca del arte contemporáneo, en el cual percibo una pantalla, y en su mayoria no me logra trasmitir plenamente una experiencia, en algunas ocaciones y ni hablar del carácter emosional. Sin embargo, encuentro en la obra desconocimiento del artista mismo y su entorno.

No es el afán de este escrito descifrar el motivo por el cual considero que el artista contemporáneo ha perdido el carácter ascendente de su trabajo. La siguiente publicación es un acercamiento a las bases del arte terapia, así como a las características del perfil profesional para ejercerla.

Comenzaremos por definir la palabra “terapia”, la cual implica el deseo de provocar un cambio ante un desequilibrio humano. Los procedimientos terapéuticos estan diseñados para ayudar a que produzcan cambios favorables en la personalidad o en la forma de vivir, para que permanezcan despues de que hayan acabado las sesiones. Los procedimientos terapéuticos eficaces son aquellos que provocan un cambio fundamental y permanente, y es precisamente por esto que la terapia se distingue de las actividades diseñadas únicamente para brindar una distracción con respecto a los conflictos interiores.

El comprobar que las artes pueden funcionar de forma terapéutica tiene origen a mediados del siglo XIX, tal situación tiene una gran relación sobre la función del arte, que surgió de la Posguerra. Los estudios y resultados obtenidos de aplicar el arte como un medio terapéutico, llevaron a la creación de instituciones especializadas, por ejemplo la Sociedad Internacional de psicopatología de la expresión (ISPE) fundada en Italia en 1959 por psiquiatras europeos( descendientes de Prinshon), y la institución precursora de la Asociación Americana de Terapia Artística (AATA), fundada en 1966, y la cual tiene su propio espacio de publicación en  el American Journal or Art Therapy.

Terapia del arte es un término que se ha utilizado en Gran Bretaña desde la década de los 40 para referirse a actividades que podrían considerarse como enseñanza artística no directiva, por un lado, y psicoterapia a través del arte, por el otro. Dichas actividades se han llevado acabo en instituciones dedicadas al tratamiento de niños y adultos que padecen enfermedades o deficiencias mentales, Tessa Dalley la define como la utilización del arte y otros medios visuales en un ambiente terapéutico o de tratamiento. Los medios utilizados por el terapéuta del arte se pueden aplicar a distintas disciplinas artisticas como la pintura, el dibujo, la escultura, la danza, dramatización, literatura etc; con la finalidad de que la persona aprenda a conocerse y desarrollar habilidades que los hacen sentirse más seguros, de tal manera que se sientan capaces de enfrentar sus problemas y resolverlos. La manera en que el ejercicio terapéutico funciona, es proporcionando un reto para que el paciente experimente con los materiales que se le da, lo cual generara momentos en que se sentirá con dificultades para resolverlos, pero lo más importante es que cuente con los recursos técnicos para trascenderlas, sirviendole como experiencias que lo ayudaran a encontrarse y reencontrarse,  y que se van transfiriendo a su vida e influiran en su relación con los demás, se utilizan técnicas provenientes de las artes plásticas, no es necesario contar con conocimientos artisticos previos para participar de este modo terapéutico. Las técnicas son diversas, y se eligen en función de la situación particular de cada paciente. Incluso se suelen crear algunas que resultan específicas para necesidades puntuales, durante el transcurso del proceso terapéutico.

Áreas de aplicación.

La terapia artistica se puede aplicar en áreas como la rehabilitación, educación y la salud mental. Aqui el objetivo de la terapia artística consiste en actuar como medio de comunicación y de autoexpresión. Evidentemente, la terapia artistica consiste en actuar como medio de comunicación no verbal y alternativo a aquellos cuya comprensión del lenguaje de las palabras es parcial o inexistente. Logrando aumentar la oportunidad de autoexpresión al conceder un medio comunicación donde no lo había o era inadecauada. Por ejemplo, puede reestablecer una sensación de identidad, que se pierde muy fácilmente en una institución.

De igual manera, el arteterapia es muy efectivo, para personas con problemas sensoriales , fisicos, motores o de adaptación social, se puede aplicar en casos de síndrome Down, autismo y Alzheimer. En la atención a niños y adolescentes con problemas de aprendizaje, emosionales, fobias, depresion, miedos, contribuye a controlar los síntomas del déficit de atención con hiperactividad, es muy efectiva en transtornos de alimentación e imagen corporal. Asi también para tratar adicciones, estados de ansiedad o depresivos, en el control de estres y refuerzo de autoestima, enfermedades prolongadas y terminales. Víctimas de violencia física, psicológica y sexual, así como a refugiados, reclutas y otros problemas de carácter social.

La manera en que el arte terapeuta puede atender al paciente, es en sesiones individuales o grupales. Esto se define mediante una entrevista que el arte terapeuta realiza previamente de manera personal con el paciente exponiendole su plan de trabajo de acuerdo a su necesidad. El espacio del arteterapia es un lugar donde se da una relación de tres: paciente, obra y terapeuta. Esta relación puede variar según las necesidades del paciente y su manera de fluir en la terapia; durante las sesiones pueden alternarse diferentes actividades artisticas, ya que cada una aporta elementos  que le facilitarán el conocer al paciente. Todo lo antes descrito no se podría lograr si el arte terapeuta no lograra crear un fuerte lazo entre el paciente y él, provocando que la persona trasmita con mayor fluidez sus emosiones y sentimientos, pero de una manera que no se sienta amenazado y pueda ordenar, comprender y expresarse libremente.

Cómo se prepara un Arte Terapeuta.

La interrogante acerca de cual habría de ser la formación adecuada para esta profesión ha ocupado la atención de diversos comités desde la época en que la terapia artística no era más que una forma de alentar a los pacientes para que pintaran, llegando hasta nuestros días, en que se presta una notable atención a los problemas filosóficos que subyacen en la utilización del proceso creativo en la terapia. En 1949, en la Asocioación Nacional para la salud Mental, tuvo lugar una reunión a la que asistieron John Trevelyan, Gilbert e Irene Champernowne (directores de Withymead Centre for Psychoterapy through the Arts), Rudolf Laban (bailarín y coreógrafo), en la cual trataron como tema principal si la terapia ocupacional se hallaba en condiciones o no de cubrir el área de la terapia artistica.Por su parte Irene Champernowne afirmó que la terapia artística podía liberar una fuerza terrible procedente del inconsciente y que la personalidad del terapéuta artístico era un elemento clave para la recepción y moderación de dicha fuerza. Travelyan pensaba que el educador “auténtico”, crearía una simpatía total entre él y el paciente, y podría actuar como educador y como sanador al mismo tiempo. En esa reunión no se llegó a ningun acuerdo, pero no fue hasta 1950 cuando Travelyan presidió un Congreso de Terapéutas Artísticos en Hospitales y Clínicas, alli recibió sugerencias acerca de los criterios y la formación que requeria la terapia artistica. En 1970 se llevaron a cabo negociaciones para iniciar una formación en terapia artistica en la Universidad de Birmingham, en su Escuela de Profesorado de Bellas Artes. En enero de 1977, D.Waller y A.Gilroy (Dalley,1987:288), escribieron al Ministerio de Sanidad y Seguridad Social defendiendo que los terpeutas artisticos debian ser graduados en Bellas Artes con una formación específica para el ejercicio de la terapia artistica: “El año de estudios posteriores a la graduación debe permitir que aquellos que posean un grado en Bellas Artes combinen su capacidad demostrada y su comprension del arte con las técnicas terpeuticas básicas”. Debido a esto pensamos que una formación básica a nivel de postgraduado resulta esencial para salvaguardar los intereses de los pacientes y para darles el mejor servicio posible. Los alumnos de terapia artística se encaran con un rol que les convierte en pioneros de una nueva profesión, mientras convinan entre sí las áreas correspondientes al arte y a la psicoterapia. A quienes se dedican a la docencia en este campo se les plantea la dificultad de conseguir que el alumno adquiera la “actitud terapéutica” y logre comunicarse de manera apropiada dentro de un equipo de personas que probablemente carezcan de una formación primordialmente visual. Los alumnos de terapia artística han de ser personas bastante excepcionales en lo siguiente: por un lado necesitan estar en profundo contacto con sus propios procesos creativos no verbales y con los del paciente, por el otro deben ser capaces de trasnformar dicho elemento en una modalidad de comunicación con los demás que resulte efectivamente beneficiosa para los pacientes que estan a su cuidado. Uno de los aspectos centrales de la formación consiste en la noción de crecimiento del alumno como persona completa, desarrolando una madurez emocional y una efectiva autoconciencia. Se expone a los alumnos la historia, el desarrollo y la interconexión existentes entre las ideas y la práctica, de las que surge la terapia artistica, con objeto de poner en realción su creciente comprensión de los hechos con un esquema conceptual claro. A medida en que avanza el periodo de formación, las cuestiones metodológicas que surgen del ejercicio de la terapia artística se examinan con detalle, para que los alumnos elaboren unos principios racionales que sirvan de base para su trabajo posterior en un campo determinado. Un trabajo de tipo clínico garantiza que los alumnos entren en contacto con situaciones reales y constituye un elemento decisivo del plan de estudios. Para elegir cada puesto de trabajo en prácticas se suele tener en cuenta el intéres profesional del alumno y su anterior experiencia laboral. Por lo general, cuando acaba el curso, cada alumno habrá tenido la experiencia de trabajar por lo menos en dos instituciones.

El arteterapia en el mundo.

América cuenta con Instituciones que se interesan por la terapia del arte, encontramos a la Asocicion Americana de Arteterapia AATA, (por sus siglas en inglés), que ofrece maestrias en diferentes universidades de los Estados Unidos ,también está la Canadian Art Therapy Assosiation (CATA por sus siglas en inglés), en Chile la Asociación Chilena de Arte Terapia (ACAT), en Argentina está la Asociación Argentina de Arteterapia, por mencionar algunas. En europa se encuentran la British Association of Art Therapy BAAT, al igual que la Asociación Española de Arte Terapia AEA, donde se ofertan maestrias relacionadas con el arteterapia.

En el país contamos con el Centro Integral de Arte Terepia (CITA), que está localizado en la cuidad de México, el cual ofrece un diplomado avalado por la UNAM y que tiene duración de un año. Se ofrece para la república mexicana y el extranjero, dirigido para psicoterapéutas, psicólogos, artistas, médicos, maestros y profesionales afines, con el objetivo de conocer las aplicaciones teóricas y prácticas del arte como herramienta terapéutica.
Tijuana aún no cuenta con alguna asociación de arte terapia, sin embargo la Universidad de San Diego, California, ofrece cursos relacionados con esta disciplina, por ejemplo “fundamentos de arte terapia”, o “supervición de la práctica del arte terapia”, etc. Abriendo las posibilidades de preparación sin necesidad de salir de la cuidad. Actualmente la Escuela de Artes, Campus Tijuana, oferta el intersemestral en la materia Arte Terapia, lo cual me parece que es señal de apertura en este campo del conocimiento. Brindando un espacio para quienes estamos interesados en esta disciplina.

   En conclusion, puedo decir que el arte terapia es una disciplina relativamente nueva, que tiene sus principios en la realización integral del ser humano, utilizando el arte como herramienta para el proceso de descubrimiento.

Concuerdo con Diane Waller y Kim James (Dalley,1987:291) cuando ambos mencionan que el estudiar arte no solo es obtener un grado alevado en técnica, sino que a través del arte, logremos conocernos y conocer nuestro entorno. Además de poder ser capaces de transmitir este conocimiento y modo de existencia, elevando el valor del arte en cuanto al proceso de liberación, comunicación, autodescubrimiento y crecimiento. Es decir, hacer del arte una estética de vida, poder encontrar el disfrute de la vida en nuestro proceso de creación y asimilarlo, para crear nuestras propias maneras de existir.

Bibliografía

Dalley,Tessa, El arte como terapia, Juan Andrés Iglesias (trad.), Barcelona, Herder, 1987.

Mcllory, Helen, The Canadian Art Therapy Association,2009, http://www.catainfo.ca/, 22 de noviembre de 2009, http://www.catainfo.ca/training.php

Asociación Argentina de Arteterapia, 2009, http://www.asoarteterapia.org.ar/index.php, 22 de noviembre de 2009, http://www.asoarteterapia.org.ar/formacion.php?id=1

American Art Therapy Association, 2009, http://www.americanarttherapyassociation.org/index.html, 22 de noviembre de 2009, http://www.arttherapy.org/aata-careercenter.html

Asociación Chilena de Arte Terapia ACAT, 2009, http://arteterapia-chile.blogspot.com, 22 de noviembre de 2009.

Bibliografía de imagenes por orden de aparición.

http://www.nantralodge.bc.ca/Programs/Therapies/Art%20Therapy/Art%20Therapy%201.JPG, 30 de noviembre de 2009.

Imagen de Kevin, Gutting - Becca Greene-Van Horn dirigiendo un ensayo para un programa de dramaterapia en el centro “Whole Children Inc.”, en Hadley Nueva York, 30 de noviembre de 2009, manyhands.com.

zaragozaciudad.net/.../talleres-2007-2008.php, 30 de noviembre de 2009.

http://mariaamarillo.files.wordpress.com/2008/12/musicoterapia.jpg, 30 de noviembre de 2009.

¿Como ha sido afectada la ilustración con el lanzamiento de nuevas herramientas digitales?

Por: Brenda Lydia Hernández Cruz


Antecedentes

Los comienzos de la ilustración se recorren hasta hace varios siglos. Una pista de sus comienzos son ilustraciones usadas para portadas de las cartas de juego utilizadas por los chinos y mantuvo una expansión por India, Egipto y Europa, donde tuvo mucho éxito en los manuscritos. Las tecnologías de ese entonces eran solamente utilizadas por profesionales y expertos. En su elaborada evolución llegaron más accesibles al público, a través de España durante los siglos XII y XIII. Así más fácilmente llegó la generación de la estampa que se ocuparía de intervenir un texto ahora acompañado de un impreso. Desde entonces, la ilustración no era más que un arte bajo, una oposición a lo que es considerado Arte (con letras mayúsculas). Desde el principio, su valoración fue poca y hasta hace 30 años empezó un nuevo desarrollo denominado “lo digital”, el cual abarcaremos hasta cómo intervino en las intenciones de los nuevos encargados de la ilustración.

En esta rama del arte, que se ha presentado en un nivel más alto cada vez en la publicidad y no en las galerías, es lo que quiero presentar en detalle. Aquel cambio drástico en la forma de ver y hacer este oficio es debido a los nuevos medios de generar imágenes. Éstas desde sus inicios han desatado varios cambios, pero en el que específicamente voy a detallar es en el campo de la ilustración. Su mera influencia ha desatado desde las primeras herramientas para hacer un simple dibujo en pixeles (Paint) y hasta generar uno de los mejores editores de imágenes (Photoshop). 

Para empezar, quisiera delimitar lo que es la práctica de la ilustración en sí, aunque su intención llega a un parecido al Arte en general, tiene un propósito específico y se ha mantenido desde los siglos en que se originó. La palabra ilustrar proviene del latín ilustrare, que significa iluminar. Esto es en el sentido de poder brindar una forma de ver, relacionando a la gráfica, obtenemos una forma de poder transformar una idea literal a una imagen bidimensional con la que ambas tengan un estrecho vínculo, que no siempre es tan obvio. Generalmente el proceso es que la imagen provenga de la idea de un texto y que este vaya acompañado por ella en su presentación. Pero decir esto genera discusión sobre su valor, porque su contenido ya está limitado y la interpretación no es tan extensa. La ilustración ha tenido más críticas que rechazan su valor por estar más presente en la publicidad, pero por parte de los ilustradores se ha podido aprovechar mejor. Así como lo comprende Ramón Almela (Mayo 04, 2007) en su escrito digital “La ilustración. Despertar de la apreciación artística”, proveniente de www.criticarte.com, el auge estaba en la vida obrera y callejera; y a diferencia del arte dispuesto en un santuario, su lugar de apreciación, la ilustración es vista, recolectada y obtenida por cualquiera, agregando que la intención es hacerse llegar al público mismo. Se describe también, que su desarrollo es dependiente de las tecnologías a las que se han ido necesitando o integrando. Durante las épocas más recientes el cambio de la valoración del oficio de ilustrador es correspondiente incluso a como la temática es vista de otro modo: “Si la imagen es enfocada como producto artístico per se como un paisaje, figura o de otra índole, su correspondiente valoración como comunicador de estética vivencial de élite se incrementa. En cambio, si se concibe como trabajo ilustrativo adjunto a una publicación o producto comercial, su valor disminuye.” Ramón Almela (Mayo 04, 2007).

El oficio de un ilustrador es más impulsado a ser publicado abiertamente pero esto a la vez da una reputación de ser comercialización de una calidad dudosa, por ser un recurso del cual visualmente es aceptable los elementos básicos y la técnica no es tan relevante. Esto lleva a pensar que sólo por el hecho de estar a la mano del público la hace menos apreciable al ser conseguida por cualquiera por un precio relativamente barato que una obra puesta en una galería. Pero el incremento de su comercio le brinda al ilustrador el reconocimiento de su trabajo por un público más grande. Ramón Almela nos puede agregar lo mismo dentro de los orígenes de la ilustración: “Los ilustradores profesionales de manuscritos se resistían a la expansión de la xilografía temiendo perder sus trabajos. Pero a pesar de todo, la edición de juegos de cartas se expandió facilitando al público un barato juego ilustrado de cartas que impulsaría el oficio de ilustrador.” (“La ilustración. Despertar de la apreciación artística”, Mayo 04, 2007)

Incluso antes de la fotografía la ilustración era muy útil para los catálogos de moda, diseño y arquitectura. En los textos de historia su mayor elaboración era en grabado y centraba la atención en sucesos importantes. En la moda, la afición era tal por difundir la novedad de las prendas que era tan esencial poder publicar incluso a otros países la última tendencia en vestidos y telas.

Se afirma por Beto Kay (Febrero 17, 2008) en su escrito digital “La Nueva Ilustración de Moda”, que su uso predispone de la sociedad y que ha ido evolucionando conforme al paso del tiempo, ha sido de gran apoyo para demostrar en una imagen la visión  de una época. Menciona que la ilustración va siempre estrechamente ligada con la representación de la sociedad y este es el oficio de poder proyectarla. Esta es apenas una parte de lo que se reconoce en la ilustración por el libro “Ariel the book of art” (1977), en este libro encuentro que la imagen de la sociedad no siempre tiene que ser relativa a lo que se ve en ese entonces. El libro recopila ilustradores de oficio completo que han destacado por abarcar el tema de la fantasía, algo que el mundo que la fotografía nunca va a poder capturar por completo.

Frank Frazetta, 1972

http://tonova.typepad.com/thesuddencurve/2005/07/space_artist_fr.html

Los cuatro mejores ejemplos de una ilustración con valoración artística durante la década americana de los 60 son los siguientes: Frank Frazetta, Richard Croben, Ray Bradbury, Ursula Le Guin. Quienes tomar un rumbo distinto, la fantasía o la ciencia ficción. Este no era un producto para comercializar, no era algo cotidiano o local. Estas personas retomaban el tema surrealista para llevarlo completamente al aspecto ficticio donde no había reglas para el tema, solo reglas para la elaboración. Estas eran mantener un equilibrio con la intención y ser profesionales en cuanto a la técnica, de otra forma su trabajo no tenía sentido. Todo era ideológico; las proporciones, siluetas, sombras, luces, espacios, todo era completamente propuesto por la imaginación. Por ser basados en ciencia-ficción su intención no era complacer un público para consumidores, si no llegar a un nivel de realismo dedicado a la plena imaginación. Esto ya era Ilustración llevada hacia otro nivel, pero por ser precisamente algo ficticio recaía en no tener sentido con la realidad. Aunque el texto fuera a ilustrar otras dimensiones, el contexto de la escritura tenía bastante sentido con situaciones actuales; avances tecnológicos y militares habían cohabitado en la sociedad después de la segunda guerra mundial. Y también cobro sentido imaginarse un futuro oscuro y mítico, así como se descubrían que las proféticas ilustraciones de Da Vinci y los relatos de Julio Verne  se volvían realidad,  de esta manera las ilustraciones de ciencia ficción fueron bien aceptadas como la nueva visión del futuro. Los mismos artistas tenían la certeza de realzar la ilustración de categoría. Como lo afirma Frank Frazetta:

“Me considero yo mismo en ser un artista creativo… No solamente un ilustrador de la fantasía. Yo trabajo puramente de mi fantasía, no fotografías. Yo estreso buena composición y diseño que limita en lo abstracto a pesar del sujeto material”  (Frazetta: Painting with fire Trailer, http://www.youtube.com/watch?v=5mm65Opc74Y&feature=player_embedded,  May 26, 2006)

La era del ordenador

Fue hasta el punto en que los ordenadores llegaran a recopilar la suficiente información para reemplazar estas herramientas cuando por fin se desató otro nivel de proceso para ilustrar. El inicio de esto fue cuando los programadores buscaban una forma gráfica en la que se pudiera presentar la plataforma del ordenador. Esto es que buscaban como presentar de manera visual una versión de lo que sería estar dentro del ordenador. Esta visión es llamada Interface gráfica para el usuario o en idioma Inglés GUI (siglas de “graphical user interface”; en español: Interface gráfica del usuario). Este fue el avance para llevar el MSDOS a la interface Windows. El principio de generar esta interface era para que la interacción entre el lenguaje computarizado del ordenador fuera entendido por el usuario de manera gráfica sin tener que teclear comandos para obtener información. Se podría considerar como inicio de la ilustración tecnológica, porque se basaban en un lenguaje escrito para ser traducido a cuadros, texto, colores, iconos y demás. Empezó por el origen del Mouse, luego por los comandos se sintetizaron en pequeños gráficos llamados iconos para facilitar el acceso a ciertos documentos o locaciones. Cuando quisieron traducir una imagen compleja dentro un ordenador, las primeras pruebas fueron con ordenadores de 8 bits. Esto significaba que para que una imagen de tan siquiera 1 megabyte pudiera verse en el monitor tenían que pasar 40 min. Esto fue en 1970, para entonces no había edición de imágenes hasta que en 1984 empezaron con los primeros programas que llevaron a la edición de imágenes;  primero fue Microsoft Photo Editor, que te permitía cambiar contraste, luz, retoque, que después le agregaron efectos especiales. Los que generan imágenes son los que no retomaba una original, si no que directamente se podía empezar en un lienzo digital a dibujar con una computadora. Esto sería en principio el programa Paint que era manipulación de bit por bit.

Se llevaron a cabo lanzamientos de los demás programas que fueron de mayor acceso y con cada vez más herramientas de manipulación parta aplicarse en imágenes. No había mucha complejidad y poco a poco su popularidad fue llevada a usuarios que no se dedicaban a ilustrar, la accesibilidad fue tan grande que versiones gratis fueron publicadas. Los programas más destacados fueron Corel, Draw, las Versiones de Adobe: Illustrator, Photoshop, iMage, Image Enhance, ImageForge, Painter 25, Photofiltre, Photoplus, Piixia, Treasure Procesor, etcétera.

Aunque muchos son para edición, los más populares fueron Photoshop, Corel y Draw para poder generar una ilustración desde un lienzo digital. A partir de estos programas los ilustradores comenzaron a generarse empleos ante su curiosidad y las posibilidades que estas herramientas proveían.

Los ilustradores, antes de ese cambio, producían material que era de interés para los diarios, revistas, libros y por supuesto, publicidad. Con el generador de la tecnología, este campo se fundió con la mercadotecnia, dedicándose sólo a la imagen y no en una ilustración especifica. La diferencia radicaba en la presentación y en el comportamiento que éste generaba; es decir, que se basaban más en efectos que producía la imagen, que en la representación del texto. Es lo que después generaría el diseño gráfico para dedicarse a la formalidad de la imagen. La ilustración no estaría tan presente pero en su estado más actual se han querido aprovechar la ilustración y no dejar desviarse a otros propósitos que no sean expresivos o artísticos. El trabajo del ilustrador lo llevo a ser más diverso por decidir entrar en un campo comercial, pero  llevando otros propósitos y otros nombres, mientras tanto, el mismo trabajo de ilustrar pasaba a decaer un tanto más en su posición.

Los nuevos materiales

Veamos como era el proceso de ilustrar antes de este avance tecnológico. Por lo general los materiales iban variando así como el estilo entre artistas. Las líneas, expresiones, trazos o sombras marcaban una trayectoria que podía continuar el ilustrador o podía variarlo. El ilustrador al infiltrarse en un oficio permanente en revistas o periódicos tenía que depender de lo que tratara algún texto, mucho más si era para un libro. Aunque siempre ha habido esa relación no siempre la imagen decía lo obvio o lo directamente visible. Era un acto de síntesis en la imagen que debía componer la idea general.  Según el profesor Ramón Almela se tiene que pensar en el sentido artístico de la imagen, es importante pensar que la ilustración también tiene calidad y tiene que proyectar. El profesor Alameda también expresa que lo mismo que sucede con los artistas, debe de ser entendido por los ilustradores, el nos comparte lo siguiente en la continuidad de su escrito: “Es necesaria esta apreciación artística para la adecuada valoración de la ilustración de calidad. En la formación del diseñador gráfico en la universidad no se impulsa el estrato artístico al considerar tan sólo su función informativa y gráfica de orden comercial.” (“La ilustración. Despertar de la apreciación artística”, Mayo 04, 2007). Su valoración artística solo demandaba calidad a su elaboración,  pero no había ninguna propuesta conceptual que se consideraba en ese tiempo digno del arte. La valoración artística se entenderá como el logro más allá reconocible del la elaboración de la pieza, la misma podría tener todo los elementos visuales aceptables; composición, equilibrio, ritmo, uso del color, pero tiene que agregarse la expresión del artista y su intención.

Aunque la fantasía o ciencia ficción es discriminada por sobrellevar a la mente fuera de la percepción actual, la verdad es que en el mercado se vende bien. Las ilustraciones fueron mas adelante una ventana en la cual se presentaban varias posibilidades de escenarios y al visualizarlos, los productores de cine vieron que podían llevarlo incluso a la realidad.

Después de probar de varios artistas se han destaca en películas varios que cumplen doble función de artista, mitad diseñadores y mitad ilustradores. Películas famosas como Matrix, Final Fantasy, Harry Potter, Star Trek, Star Wars, entre muchas otras han saca a lucir la imaginación del publico. Tuvo tanto éxito en la pantalla grande que no se ha podido desligar la elaboración de ilustraciones fantasiosas con las películas mismas, siempre habrá algo que recuerde algún pasaje en el cine. Y lamentablemente, todavía hay elaboradores que persiguen la misma intención que hace 40 años un ejemplo se podría mencionar en la página de ilustradores imaginistix.blogspot.com un grupo que funciona como espejo de los logros que surgieron antes que ellos. Sin mencionar también de los estilos que se podrían mencionar varios pero sus diferencias son cada vez mínimas.

Dejando a lado ese tema, la creatividad en otros es interminable y se sabe aprovechar muy bien, otros dejaron el tema de la fantasía y otros transformaron la imagen requiriendo el uso de la tecnología misma. Fusionaron primero lo manual con lo digital y luego se partieron de lo digital puro. Fue como aprender a usar bicicleta, se dejo poco a poco estar ante un estilo solamente. Muchos se adiestraron. Pero la herramienta por ser de tan fácil uso otras personas también  podrían lograrlo pero sin intención de ser artistas o con la conciencia de  ser ilustradores. Muchos mas son capaces de encontrarse incluso en directorios de ilustradores como: http://www.illustratoren.de y http://links.leoartz.com/

Un caso muy particular es de Christian Lorenz Scheurer quien ha sido ilustrador y diseñador de varias películas, trabajado para varias compañías; Universal, Columbia Pictures, Warner Brothers, 20th Century Fox, Disney / VR Studio, The Workshop, Electronic Arts (Los Angeles). Ha sido muy reconocido dentro de la industria del entretenimiento, pero su verdadero valor radica en la expresión de sus imágenes y la originalidad de sus ilustraciones, es simplemente fuera de este mundo. Además de sus trabajos tiene proyectos personales que mantienen esencia. Su logro ha sido la dominación de las herramientas y la fusión con el ingenio artístico que no deja de ser manual para él. No se limitó a la pura ilustración, el mismo objetivo de la ilustración da mayores probabilidades que fácilmente se desliga a otros campos de trabajo y mucho más con las herramientas que usa, lo que abunda en su material es lógicamente lo digital  pero siempre basado en bocetos ya preliminares a mano. Esto hace  más amplio su trabajo, más ardua la dedicación y mucho mas fusionado el concepto que se trabaje.  

Es un hecho que siempre se inicia con bocetos, y si no, por lo menos realizan una previa aparición. El hecho de que hayan cambiado de herramientas no significa que el boceto se extinga en su uso. El método de boceto tal vez no sea el mismo pero tiene la misma intención de uso. Todo ilustrador, o como se nombre a sí mismo, tiene que mantener la idea fija y trabajarla, eso es lo que no ha podido cambiar aunque la herramienta se completamente diferente.

Así se ha visto con todos los estudios de animación digital, diseño grafico y diseño digital. No habrá artista alguno que no se aleje del boceto inicial. Se podría decir que hasta algunos aprovecha el paso del boceto para ampliar sus técnicas e incluso al hacer más bocetos estos los consideran como obras mismas puestas en exhibición.  Un ejemplo es Christian Bahold quién menciona que le interesa hacer cosas nuevas y combinar técnicas diferentes, “desde simples dibujos hasta imágenes fotorrealistas” (Ilustration Now!, Taschen 2008). Dice que su trabajo más reciente incluye imágenes que parecen que son sacadas de un bloc de bocetos y las mezcla en una imagen surrealista.

¿Se podía hablar de limitaciones en los ilustradores en cuanto a la producción digital? Francamente no veo ninguna limitante o desventaja más que el dejarse convencer por su trabajo. Las herramientas están disponibles en internet y no necesariamente la herramienta tiene que ser costosa, como lo comprueban algunos. La herramienta puede ser gratis y tener buenas referencias por su programación. Pero si no se genera buen material no se tiene ganado nada. La única conveniencia es que, a los ilustradores aunque se les busque, ya hay demasiados. La desventaja de tener todo a la mano en el internet es que cualquiera puede aprender y agarrar practica, lo difícil es encontrar ilustradores de calidad. Cierto como en cualquier otra rama y específicamente en la ilustración, ya sea manual o digital, si no cumple en ser disponible a la expresión y en trasmitir un mensaje, esta no será considerada como buena obra y será un ilustrador más que no ha tenido dedicación. Pero en cuanto a tener práctica, es el método difícil del que los ilustradores  cada vez pelean y mantienen en fuerte competencia.

Unos ejemplos de personas que utilizan de este medio por completo son Dieter Braun, quién usa incluso Macromedia Freehand, que le ayuda a tener manejo de más efectos con el pulso de la mano. Rachelle Bartel (autonombrada Lilycat) también utiliza solamente Photoshop y que maneja como tema lo femenino. Un grupo que exageró y explotó el uso de pixeles ha sido eBoy que ahora mantiene una alta relación con Coca-cola, Wired Magazine y Nestlé.  Gabriele Fantuzzi (autonombrada Delicatessen), mantiene trabajos con revistas y son altamente ligadas con temas cotidianos. Marcos Chin y Gaku Nakagawa entre otros pueden ser encontrados dentro del uso completo y adiestrado de Photoshop.

El Ilustrador de ahora

La perspectiva de un ilustrador ahora es alcanzar un nivel en el arte mayor y a la vez en que se logra eso, poder destacarse en el mundo por su gran difusión y trayectoria. La mayoría trabajan incluso para ciertas compañías y son capaces de proveerles de lo que necesiten para mantener un trabajo estable. Usan de este trato para aprovechar y usar como pretexto para liberar creatividad

No se ha descuidado para nada la elección de material, que vale la pena por su calidad y por el buen uso de software. El método de ilustrar permite hacer hibrida una obra, ser parte manual y ser compuesta o intervenida digitalmente. Así como he aprendido con unas técnicas en Photoshop. Si se compara la ilustración manual con la digital solo tendría que depender del ilustrador, en cualquiera de los dos bandos todavía existe la exigencia de la calidad y el buen gesto de apreciar artísticamente una ilustración por su intento de expresión y a la vez comunicar algo concreto.

A continuación mencionare los ejemplos destacados de la ilustración híbrida.  Guy Billout produce material que al principio es totalmente manual, hecho con acuarela y aerógrafo y después modificado en Photoshop, solo para correcciones. Oliver Kugler, Tomer Hanuka, Martin Haake, Christian Barthhold, Maricio Gomes quienes a veces aparentemente solo se podría distinguir el lado manual o el estilo collage.

Los ilustradores son ahora un sujeto que podría ser especialista en lenguaje visual para la comunicación. Todos están a la vanguardia y en constante descubrimiento de nuevas formas, es un campo muy basto y explorable que nunca podrá ser abarcable en su plenitud. Los ilustradores llevan siglos siendo encargados de la manera en que nuestra forma en la que apreciamos la imagen en con texto sea claro. Poder enriquecer su búsqueda gráfica. Al mismo momento quieren que esta búsqueda refleje una parte de ellos mismos y llamándole así expresión.  El trabajo de un ilustrador se vende mejor si es capaz de esparcirse y ser interesante para muchos medios de publicación masiva. El hecho de verse en tantos lugares proporciona más oportunidad de ser contratados por otros. La ilustración trata desesperadamente abarcar varios campos para poder seguirse produciendo y así multiplicarse en otros. Su publicación es de aprovechar y la exhibición es un proceso que menos interesa. Es muy común que se planee publicar, si para el arte es la exhibición es en una galería, para la ilustración es la su exhibición en el mundo de allá afuera, para que todos le vea, le experimente y le fascine por su contexto y su composición.

Localmente en Tijuana, el ejemplo más cercano de un ilustrador reconocido es Charles Glaubitz quien ha trabajado de manera nómada: desde San Francisco, Los Ángeles, Paris, Madrid, ciudad de México, Tijuana, San Diego, Seattle. Actualmente ha terminado proyectos mural/instalación en el museo de arte contemporáneo Carrillo Gil de la ciudad de México. Ilustrador dedicado al acrílico, basado en un ambiente toxico de color y derrames, que envuelven a sus personajes grotescos y ácidos. 

Charles Glaubitz, 2009

http://www.illustrationmundo.com/article/art/18/

La producción de ilustración se ha hecho cada vez mas ansiosa por descubrir lo innovador. Las herramientas mismas, Ilustrador y Photoshop hacen todo esto posible y se le agradece como ha podido aguantar ante tal cambio la una voluntad de seguir inspirando una idea que se dedique a manifestar el conocimiento de la manera más visual posible. Como se menciona en un taller de ilustración digital por Juan Francisco Macías López:

“Hoy en día, cualquier artista puede disponer de forma individual de completos sistemas para la gráfica, que van desde las tecnologías de captura de la imagen, las estaciones infográficas para su manipulación, hasta sistemas electrónicos de impresión tan precisos y sofisticados como asequibles. La mejora técnica la podemos encontrar en la pureza, estabilidad y perfección del archivo digital.” ( 26 SEPTIEMBRE DE 2008) http://www.ub.edu/ceha-2008/pdfs/09-m01-s01-com_04-jfml.pdf

Esta visión nos da un panorama de cómo la ilustración ha llegado a ser más competitiva por el uso de herramientas que dan forma a la técnica. Se espera que el mismo valor dado a la ilustración mejore al mismo tiempo que las infinitas posibilidades nos mantengan al alcance de más experimentaciones. El efecto no podría ser más prometedor y ante las técnicas manuales ha sido solo un banco más al cual apoyarse y al mismo tiempo un obstáculo técnico el cual superar  solo de una manera; con la creatividad. Actualmente se encuentran otro tipo de ilustraciones que van fuera de lo bidimensional, personalmente considero este tipo de ilustración como la más avanzada en todo el terreno de lo digital; experimentación con objetos de tercera dimensión, hechos con plastilina o cualquier otro material, para después fotografiarlos y editarlos en otro programa. La especialista Irma Gruenholz demuestra su dominio en el campo. Considero este como la intención de proseguir con este oficio que no ha dejado de ser infiltrarte en nuestra era comunicativa y lo considero muy inspirante a continuar el trayecto.

Irma Gruenholz, 2009

Ilustración con plastilina, de la página 
http://www.deplastilina.com/personal/per2.html  

Bibliografía

Editor: Julius Wiedmann, Traductores: Raquel Valle (Español), Marco Barberi (Italiano), Ricardo Esteves Correia (Portugués), “Ilustration Now! Volume 1”, Tatschen, 2008,

Colaboradores: Ray Bradury, Richard Corben, Harlan Ellison, Frank Frazetta, Ursula Le Guin, Michael Moorcock, J.R.R. Tolkien. “Ariel, The Book of Fantasy, Volume two”, 1977 The Morning Star Press.

Juan Francisco Macías López, “Arte Gráfico Digital: matrices híbridas y nuevas estampaciones”, documento en formato PDF, Mesa: Memoria y Tecnoarte. XVII CONGRESO NACIONAL DE HISTORIA DEL ARTE ART I MEMÒRIA - 22-26 SEPTIEMBRE DE 2008. 

http://www.ub.edu/ceha-2008/pdfs/09-m01-s01-com_04-jfml.pdf 

Ramón Almela “La ilustración. Despertar de la apreciación artística”, Mayo 04 2007 . http://www.criticarte.com/Page/file/art2004/LaIlustracion.html   

Beto Kay “La Nueva Ilustración de Moda”, Febrero 17 2008. http://imagedesign.ning.com/forum/topic/show?id=1670224%3ATopic%3A5550 

http://www.woostercollective.com/2004/01/profile_charles_glaubitz.html

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http://imaginistix.blogspot.com/

http://www.christianlorenzscheurer.com/

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http://www.freebyte.com/graphicprograms/#editors

http://links.leoartz.com/show.php?id=concept&lang=en

http://www.taringa.net/posts/arte/2108390/Ilustraciones-de-Frank-Frazetta--f_-art--170-img.html

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http://www.illustrationmundo.com/article/art/18/

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